Dopo il successo di pubblico registrato nei primi appuntamenti, DISCANTO si avvia alla conclusione del suo percorso con il quarto e ultimo incontro, confermandosi tra le principali iniziative dedicate alle musiche popolari e ai canti della tradizione. La rassegna, ospitata negli spazi del METS – Museo etnografico trentino San Michele, ha proposto un percorso attraverso culture corali di diversa provenienza, offrendo al pubblico un’occasione di approfondimento del patrimonio musicale tradizionale.

L’ultimo appuntamento sarà dedicato alla scoperta della cultura armena e della sua tradizione musicale, con una giornata di iniziative in programma sabato 25 luglio.

Ad aprire il programma sarà, dalle 15 alle 18, un workshop di canto armeno, a partecipazione gratuita con prenotazione obbligatoria, rivolto a chi desidera avvicinarsi al repertorio vocale della tradizione. canto armeno. La partecipazione è gratuita, con prenotazione obbligatoria al seguente link: https://docs.google.com/forms/d/e/1FAIpQLSecaEoO5WzlBwVotcztTIJ-igueWUpQDWJAl0syAalvy8_NVw/viewform.

La rassegna si concluderà ufficialmente alle 21 con il concerto dell’Ensemble Edesse, tra i pochi complessi vocali italiani specializzati nella ricerca e nell’esecuzione della musica sacra e popolare armena. Il concerto sarà dedicato alla figura di Padre Komitas, musicologo considerato il principale custode e artefice della salvaguardia della musica tradizionale armena.

A impreziosire la serata sarà la partecipazione del musicista Arsen Petrosyan, proveniente da Yerevan, riconosciuto a livello internazionale come virtuoso del duduk, antico strumento a fiato in legno di albicocco, caratterizzato da una doppia ancia e da un timbro caldo e malinconico, simbolo della tradizione musicale armena.

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L’artista di origine armena, che da 25 anni vive e lavora a Pietrasanta, ha raccontato il proprio percorso creativo.

A un mese dall’apertura della 61ª Esposizione Internazionale d’Arte – La Biennale di Venezia, il Padiglione dell’Egitto, con il progetto Silence Pavilion: Between the Tangible and the Intangible, si è affermato come uno dei padiglioni nazionali più visitati e maggiormente discussi di questa edizione. L’artista di origine armena, che da 25 anni vive e lavora nella “Piccola Atene” della Versilia, ha raccontato il proprio percorso creativo e il legame con un territorio che ha contribuito alla sua crescita, accompagnandolo fino alla designazione, da parte del Ministero della Cultura egiziano, a rappresentare il proprio Paese alla Biennale 2026 con “Silence pavilion: between the tangible and the intangible”.

In una conferenza stampa al Media Center Sassoli a palazzo del Pegaso è stato presentato l’artista Armen Agop protagonista all’ultima Biennale di Venezia. Sono intervenuti la presidente del Consiglio regionale Stefania Saccardi, il sindaco di Pietrasanta Alberto Stefano Giovannetti, il critico d’arte Alessandro Romanini e l’artista Armen Agop.

Il Padiglione sceglie il silenzio e diventa una delle esperienze più discusse della Biennale di Venezia: artista e curatore del padiglione, Armen Agop ha concepito un percorso articolato in tre ambienti, nei quali il visitatore è invitato ad ascoltare il silenzio, osservare l’invisibile e toccare l’intangibile. Armen Agop si trasferisce in Italia in Versilia nel 2000 tra i principali riconoscimenti figurano il Prix de Rome (2000), il Premio Umberto Mastroianni (2010) e il Premio Sulmona, la Medaglia del Presidente della Repubblica Italiana (2013

Armen Agop, realizza sculture e dipinti che esplorano la relazione tra dimensione fisica e spirituale. Radicata nella sua eredità egiziano-armena, la sua opera collega tradizioni antiche e pratica contemporanea, sfumando il confine tra creazione artistica e meditazione. Ispirato dal deserto, Agop distilla il suo lavoro in forme essenziali, libere da narrazione o rappresentazioni. Le sue opere diventano meditazioni — registrazioni del tempo e della coscienza, echi di un processo spirituale piuttosto che rappresentazioni della forma.

La presidente del Consiglio regionale Saccardi in apertura ha evidenziato le grandi qualità artistiche di Armen Agop protagonista dell’ultima Biennale di Venezia, che vive da molti anni in Toscana, coniugando la sua ricerca alle tradizioni illustri della Toscana e in particolare a Pietrasanta, luogo ideale di incontro di culture ed esperienze diverse che nascono nel segno dell’internazionalizzazione e del confronto di artisti che provengono da tutto il mondo.

“Rendiamo il dovuto riconoscimento – ha commentato il sindaco di Pietrasanta Alberto Stefano Giovannetti – a un artista che testimonia come Pietrasanta sia un punto di riferimento internazionale per la scultura e un luogo capace di accogliere i protagonisti dell’arte contemporanea. Accanto ai nostri maestri artigiani, Armen Agop ha fatto propria una tradizione che affonda le radici nella nostra terra e nello spirito più autentico della Toscana, trasformando il dialogo con il granito e con il saper fare dei nostri laboratori e fonderie in una parte essenziale della sua arte. La scelta di affidargli la rappresentanza del Paese alla Biennale di Venezia conferma il valore del suo percorso e rende ancora più significativo il legame con Pietrasanta, un’eccellenza che incarna perfettamente la firma e il prestigio del Made in Italy nel mondo. Ringrazio la presidente Stefania Saccardi per aver accolto la richiesta di presentare il lavoro di Armen Agop nella sede del Consiglio regionale della Toscana, dando valore a una storia che unisce il talento di un grande artista all’anima della nostra regione e a quella sapienza artigiana che ci rende unici a livello internazionale. È un ambasciatore nel mondo della città di Pietrasanta che porta il nome del nostro territorio nel mondo e testimonia il nostro carattere sempre più internazionale.”

“L’espressione artistica – ha spiegato Armen Agop – è un prezioso strumento per riconnettersi con il proprio io, con la dimensione più intima di noi stessi. Le opere esposte alla Biennale di Venezia 2026, come è caratteristico della mia poetica, invitano lo spettatore al silenzio, all’osservazione dell’invisibile e al contatto con l’intangibile. In un’epoca caratterizzata dall’iperconnessione digitale, dall’attenzione superficiale e distratta, l’arte diventa un prezioso mezzo di rinascita. L’arte che respiro ogni giorno a Pietrasanta da oltre 25 anni. Sono molto contento del successo che sta ottenendo il mio padiglione e il grande interesse del pubblico per la mia opera che è piuttosto particolare e inconsueta. Sono da molti anni a Pietrasanta che è un luogo ideale per fare arte e dai tempi di Michelangelo vive nel segno della scultura e dell’arte Una città cosmopolita che attira artisti da tutto il mondo”.

“L’arte del pittore e scultore Armen Agop – ha illustrato il critico Alessandro Romanini – si caratterizza per un’armonica sintesi fra la meditazione, la riflessione concettuale e il saper-fare manuale appreso in 25 anni di permanenza a Pietrasanta. L’artista realizza forme affrancate dalla decorazione superficiale, ottenute grazie a un lavoro certosino, rituale e culturale, con cui riunisce in maniera sinergica le radici culturali del suo paese natale, con la cultura umanistica toscana e la tecnica e l’attitudine creativa emanate dalla cittadina versiliese dove vive e risiede. Nel padiglione veneziano si vede perfettamente come l’artista riesce a coniugare la tradizione millenaria del suo paese di origine con la storia artistica della Toscana, in particolare di Pietrasanta, che parte dai Medici e Michelangelo per arrivare ai giorni nostri.”

Concepito dall’artista Armen Agop, Silence Pavilion accoglie i visitatori con una richiesta insolita: non parlare, non fotografare e non utilizzare il telefono cellulare. Una scelta controcorrente in uno degli eventi culturali più fotografati al mondo. Ed è proprio questo invito alla disconnessione ad aver trovato una così profonda risonanza nel pubblico. Artista e curatore del padiglione, Armen Agop ha concepito un percorso articolato in tre ambienti, nei quali il visitatore è invitato ad ascoltare il silenzio, osservare l’invisibile e toccare l’intangibile.

In una Biennale spesso caratterizzata dalla spettacolarizzazione dell’immagine, dalla rapidità della fruizione e dalla costante documentazione digitale, Silence Pavilion propone un ritmo diverso. Il pubblico è invitato a rallentare, mettere da parte i propri dispositivi e instaurare un rapporto con l’opera fondato sull’attenzione e sulla presenza.

La risposta è stata straordinaria. Lunghe code continuano a formarsi all’esterno del padiglione, con visitatori disposti ad attendere pur di vivere l’esperienza nel rispetto delle condizioni poste dall’artista. Quello che era nato come un progetto dedicato al silenzio è diventato una delle esperienze più discusse della Biennale, suscitando un interesse costante da parte del pubblico, della critica e dei media internazionali. Ogni giorno migliaia di persone prendono parte a un’esperienza condivisa di riflessione silenziosa, trasformando il padiglione in uno dei rari luoghi di contemplazione collettiva all’interno di uno dei più importanti eventi culturali internazionali.

Anche la stampa internazionale ha sottolineato l’impatto del progetto. La rivista d’arte spagnola Bonart lo ha definito “una delle proposte più intense, profonde e memorabili dell’intera esposizione internazionale”. La testata Merca2 lo ha inserito tra i momenti più significativi della Biennale. Più recentemente, Soul Arabia ha indicato Silence Pavilion come uno dei padiglioni più discussi della Biennale.

Frutto di una ricerca che da anni indaga le antiche tradizioni spirituali, la materia e la trascendenza, Silence Pavilion propone il silenzio non come assenza, ma come forma di connessione.

L’opera invita il visitatore a oltrepassare le continue sollecitazioni della vita contemporanea per entrare in uno spazio in cui attenzione, introspezione e consapevolezza possano ritrovare il loro tempo. In questo modo, il padiglione suggerisce che il silenzio possa aprire un passaggio tra l’individuo e una dimensione universale. In un’epoca in cui l’attenzione è diventata una delle risorse più preziose e contese, le code che continuano a formarsi davanti testimoniano quanto questo invito trovi oggi una profonda corrispondenza nel pubblico. A un mese dall’apertura della Biennale, Silence Pavilionsi conferma come una delle esperienze più significative dell’edizione 2026, ricordandoci che, in un mondo saturo di immagini e rumore, il silenzio conserva ancora la capacità di parlare con straordinaria profondità.

Armen Agop si trasferisce in Italia nel 2000 dopo aver ricevuto il prestigioso Premio Roma. Al termine della residenza partecipa alla mostra Diari di lavoro di artisti stranieri a Roma, presso la Galleria Nazionale d’Arte Moderna di Roma, dove il suo lavoro riceve un’accoglienza estremamente positiva. In seguito, decide di stabilirsi definitivamente in Italia. Nel corso della sua carriera partecipa a numerose esposizioni in Italia. Nel 2010 riceve il Premio Umberto Mastroianni nell’ambito della VII Biennale Internazionale di Scultura della Regione Piemonte. Nel 2013 vince la 40ª edizione del Premio Sulmona, una delle più importanti rassegne internazionali dedicate all’arte contemporanea, e gli viene conferita la Medaglia del Presidente della Repubblica Italiana.

La partecipazione alla Biennale di Venezia rappresenta il punto più recente di un percorso internazionale che ha portato le opere di Armen Agop in importanti collezioni e istituzioni museali in Italia e all’estero, tra cui tra cui quelle del Saudi Arabia Museum of Contemporary Art, Mathaf (Doha), Barjeel Art Foundation (Sharjah) e il Museo d’Arte Moderna Egiziana del Cairo. Grazie alle opere di Agop, il padiglione si dispiega come un percorso articolato in tre movimenti sensoriali, dall’intangibile al tangibile, fino all’invisibile mistico: uno spazio votato alla contemplazione che incoraggia ad ascoltare il silenzio, a cogliere ciò che non si vede e a percepire profumi e risonanze dell’immateriale. Attraverso sculture e dipinti realizzati appositamente per la Biennale e caratterizzati da una ricerca rigorosa sulla forma e sulla materia, l’artista propone un linguaggio capace di superare i confini geografici e culturali, mettendo in dialogo le proprie radici egiziane e armene con la tradizione artistica occidentale e con il patrimonio di conoscenze maturato in Toscana.

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Autodidatta, cresciuto tra Slayer e Beatles, Daron Malakian ha costruito il suono dei System of a Down mettendo sempre le canzoni prima della tecnica.

Tra i grandi chitarristi del rock contemporaneo, Daron Malakian dei System Of A Down occupa un posto particolare: un autore che ha sempre messo la scrittura, l’espressione e l’identità della band davanti al virtuosismo, alla perfezione accademica e all’esibizione della propria tecnica strumentale.

Nato il 18 luglio 1975 a Hollywood da genitori armeni, è il principale compositore dei System of a Down. Formazione, influenze e cinque brani fondamentali permettono di ricostruire il profilo di un grande chitarrista da band, originale, istintivo e imprevedibile.

Ritmo e metallo

Esistono chitarristi che trasformano la musica in una vetrina per la propria tecnica e altri che usano lo strumento per dare forma alle canzoni. Daron Malakian appartiene con decisione alla seconda categoria. Il principale autore dei System of a Down non ha mai inseguito il virtuosismo né coltivato un approccio accademico alla chitarra. «Non ho mai praticato la chitarra un giorno in vita mia», ha raccontato: suonava quando ne sentiva il bisogno, utilizzando lo strumento per comporre, esprimere emozioni e costruire l’identità della band. Da bambino, in realtà, avrebbe voluto diventare batterista, ma i genitori, spaventati dal fracasso di uno strumento che, a differenza di una chitarra elettrica, «non si può spegnere», lo indirizzarono verso le sei corde. Quell’attrazione originaria per le percussioni non sarebbe però scomparsa: la vivacità ritmica, il groove, la furia e la libertà metrica sono rimasti elementi decisivi della scrittura dei System of a Down. La sua formazione parte dai Kiss, scoperti a quattro anni, e prosegue attraverso Van Halen, Black Sabbath, Iron Maiden, Judas Priest e Ozzy Osbourne, fino al thrash e alle forme più aggressive del metal di Slayer, Metallica, Pantera e Sepultura. Non è quindi casuale l’intesa con Rick Rubin, produttore che aveva contribuito a portare gli Slayer alla popolarità e che avrebbe co-prodotto con Malakian gli album decisivi dei System of a Down.

Canzoni e radici

Il vero elemento capace di rendere particolare la formazione di Malakian è però la sua devozione per John Lennon. Nello stesso musicista convivono l’amore per il metal estremo, le distorsioni e i riff aggressivi, e un’attenzione assoluta per il songwriting dei Beatles. A queste influenze si aggiungono The Kinks, The Who, Neil Young, David Bowie, Iggy Pop e gli Stooges: artisti molto diversi, accomunati dalla capacità di costruire un’identità forte attorno alle canzoni. Il suo linguaggio nasce inoltre dall’ambiente familiare armeno e dall’ascolto di musica armena, araba e greca che scopre da bambino durante feste e matrimoni. Scale e inflessioni mediorientali sono così entrate naturalmente nel suo modo di scrivere riff e melodie. Da questo intreccio nasce il suono dei System of a Down: metal estremo, alternative rock, progressive, punk, folk armeno, melodie pop, ritmi irregolari e improvvisi cambi di atmosfera. Tutto può entrare nelle loro composizioni, ma nulla viene utilizzato come semplice esercizio di stile. Anche quando la musica diventa complessa, dissonante o imprevedibile, resta ancorata a un’idea salda di canzone. Malakian è quindi la quintessenza del chitarrista da band: non cerca di sovrastare il brano, ma ne determina struttura, dinamica, carattere e direzione emotiva. La sua tecnica emerge quando serve, come nel sorprendente assolo di “Lonely Day”, ma rimane sempre subordinata alla scrittura.

Cinque brani chiave

“Sugar” – System of a Down (1998) 
Il manifesto delle origini: riff brutali, stop and go, dissonanze e un’imprevedibilità destinata a diventare la firma della band.

“Chop Suey!” – Toxicity (2001)
  Arpeggi delicati e improvvise esplosioni metal convivono grazie a un controllo magistrale della dinamica, del ritmo e della tensione.

“Toxicity” – Toxicity (2001) 
Le inflessioni mediorientali attraversano riff e melodie, mostrando quanto le radici armene siano integrate nel linguaggio compositivo di Malakian.

“B.Y.O.B.” – Mezmerize (2005)
 Cambi repentini, ritmiche frenetiche, aperture melodiche e pesanti accelerazioni condensano mondi lontanissimi in una scrittura compatta e immediatamente riconoscibile.

“Lonely Day” – Hypnotize (2005 ) La prova definitiva che Malakian è molto più di un riff-maker. Il solo inizia in modo lirico e si trasforma in una frenesia di note distorte e velocissime, diventando una piccola composizione dentro la composizione. Un assolo sorprendente, originale e profondamente espressivo, capace di aggiungere una nuova dimensione emotiva al brano invece di limitarsi a commentarne la melodia.

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